L’arte di fronte al trauma: è “Aftershock” di Ai Weiwei

La scossa di assestamento. Le conseguenze di un evento potente, traumatico. Molto del senso della mostra dell’artista Ai Weiwei, che apre oggi al Maxxi de L’Aquila sta nel suo titolo, Aftershock. E nella scelta di portare in un luogo come il capoluogo abruzzese un’opera come Straight. Quell’opera mai del tutto uguale a sé stessa, monumento di commemorazione e denuncia, fatto da 150 tonnellate di tondini d’acciaio, recuperati dalle macerie del terremoto del Sichuan che nel 2008 ha ucciso 90.000 persone e lavorati fino a ricavarne barre dritte, qui è allestita in tre stanze. Sul muro della prima c’è l’elenco 5.197 bambini e ragazzi morti nel disastro. Un elenco raccolto da Ai Weiwei e da altri attivisti, che accusano le autorità di utilizzare infrastrutture scadenti. Questo lavoro di denuncia e di lotta politica varrà all’artista l’oscuramento del blog, la distruzione del suo studio e anche un periodo di detenzione. Ma è quello che si vede fuori dalle sale di palazzo Ardinghelli, a dare il senso dell’operazione, con la finestra che dà sulla chiesa di Santa Maria Paganica, ferita ancora aperta del sisma dell’Aquila, che quest’anno è capitale della cultura. Vi fa cenno lo stesso artista, nelle brevi dichiarazioni che rilascia, in dialogo con il curatore della mostra Tim Marlow. «È importante aver avuto la possibilità di esporre quest’opera in una città che ha vissuto un’esperienza simile e fare sì che instaurasse un dialogo con la location», dice Ai Weiwei. Arte che dialoga con lo spazio ma anche sempre con il tempo: quando Marlow gli chiede di riflettere sulla storia dell’arte italiana, l’artista risponde che conoscere il passato «permette di conoscere sé stessi, la vita assomiglia a un fiume che scorre, che proviene dal passato e guarda verso il futuro, dobbiamo guardare al passato per comprendere chi siamo». Il realismo e la denuncia di Ai Weiwei, coscienza critica dell’arte I traumi del nostro tempo E per comprendere chi è Ai Weiwei, Aftershock segue un percorso anche retrospettivo, in cui vengono messi in mostra opere che vanno dagli anni Ottanta ma che arrivano fino a oggi. Ci sono tutti i temi a cui l’autore tiene di più: la libertà di espressione, la denuncia delle assurdità del potere. Più ancora che il rapporto tra passato e presente, colpisce come tema quello della reazione, delle conseguenze che arrivano dopo eventi traumatici. Talvolta queste conseguenze sono mostrate come tragedia, qualche volta come farsa. E un filo di umorismo, tra ironia leggera e satira più tagliente attraversa la rielaborazione dell’artista. C’è il trauma globale della pandemia, che ha colpito violentemente sia Cina sia Italia. Il Covid torna in quello che il curatore definisce «a monument to human panic», ovvero una scultura in marmo di un rotolo di carta igienica (uno degli articoli che sono scomparsi dagli scaffali dei supermercati con l’inizio del lockdown). Nel periodo della pandemia, tra il 2017 e il 2021, inoltre l’artista ha lavorato al grande lampadario in vetro veneziano La commedia umana, installato nella chiesa di San Giorgio: una versione più piccola (Small Black Chandelier) è esposta al Maxxi. È un’opera impressionante: il lampadario è adornato con organi e teschi di animali e uomini. Il vetro nero non riflette la luce ma la assorbe solo, invertendo la funzione del lampadario e fungendo da promemoria della catastrofe. Ma il più evidente di questi traumi è quello della guerra in Ucraina. In mostra ci sono opere legate anche ad altri conflitti (una riproduzione in mattoncini della foto dell’ultimo soldato americano che lascia l’Afghanistan) ed è dato ampio spazio anche alla crisi dei rifugiati, compresa l’immagine in cui l’artista riproduce la foto di Alan Kurdi. Le opere “ucraine” di Ai Weiwei sono infatti nuove, l’artista ci ha lavorato nel 2025. Camouflage Nets, un velo mimetico che rielabora i pattern delle divise militari, accoglie i visitatori all’ingresso. Nell’opera spuntano gatti tra il tessuto mimetico: gli animali sono usati per simboleggiare le vittime innocenti della guerra, come accade anche per un filmato su Gaza (ma il curatore ci tiene a sottolineare anche che in tutti gli studi di Ai Weiwei ha sempre trovato gatti salvati dall’artista). Due neon illuminano il cortile, riportando le due parti di un proverbio ucraino: «Per alcuni la guerra è guerra, per altri la guerra è una cara madre», una critica a chi fa profitti con la devastazione bellica. Alla fine del percorso ci sono invece sculture fatte con divise militari ucraine, arrangiate in modo da sembrare un bersaglio. In una versione sono ricoperte di vernice bianca, tecnica usata anche in altre opere, per segnalare la volontà di “whitewash”, sanitizzare la storia. Un’altra invece le vede ricoperte di ricami a fiori fatti di bottoni: un invito ad andare oltre il visibile. Mentre un elmetto di porcellana (Combat Vase, 2023) è un riferimento polemico alla famigerata uscita della ministra della Difesa tedesca Christine Lambrecht che nel gennaio 2022, di fronte all’esacerbarsi della crisi ucraina, aveva annunciato l’invio di 50.000 elmetti a sostegno di Kiev. La luce di Rothko torna a casa, incontri impossibili a Firenze Costruire Aftershock mette anche in evidenza la passione per le tecniche artigianali che attraversa il lavoro di Ai Weiwei, sottolineato più volte da Marlow. C’è l’idea della costruzione che si ritrova in molte delle sue opere più caratteristiche fatte con Lego, o meglio con mattoncini giocattolo (non usa solo quel marchio, specifica Marlow). Mattoncini che evocano molte cose: l’elemento autobiografico del rapporto con il figlio (da cui è stato forzatamente separato per un periodo dopo l’arresto), una rappresentazione dei mezzi di produzione, ma anche un modo di giocare con due forme di arte tra loro lontane nel tempo, ovvero i mosaici e i pixel delle foto digitali. C’è la lavorazione del vetro, marmo o della giada, un materiale preziosissimo nella tradizione artistica e manifatturiera cinese che viene però utilizzato dall’artista per riprodurre dei sex toys. C’è il recupero di tantissimi tipi di materiali diversi, da oggetti antichi a divise militari a materiali di scarto, come i bottoni usati per alcune opere, recuperati come racconta il curatore da una fabbrica che stava chiudendo nel Regno Unito. Un modo di fare arte che è anche costruire su macerie. La rinascita di Gibellina, capitale dell’Arte contemporanea: una fiamma culturale divenuta incendio