Corpo, famiglia e alterità: il teatro si ritrova in Laguna

Un flusso di parole, un’onda vocale a tratti di gruppo, o in forma di monologo, spesso sorretta da solide, ma anche sbilenche drammaturgie che racconta orazioni civili, storie vere oppure immaginate: tutto ciò sembra essere tornato in auge nel teatro contemporaneo di prestigio o commerciale, con un alto tasso di noia. Non così in tutti i palcoscenici o in taluni festival in corso, come la Biennale Teatro dal titolo Alter Native (sino al 21 giugno). L’idea provvidenziale di questa parola divisa a metà si percepisce, ma Willem Dafoe, l’attore cinematografico, con trascorsi dal vivo al suo secondo anno alla guida del Festival Internazionale del Teatro di Venezia, è più preciso. Sostiene che Alter «sta per cambiamento e non solo per altro» e Native per «natura o cultura in cui si nasce». Sulla carta le due sezioni sono armoniosamente distribuite in un programma ricco di 55 appuntamenti, 11 produzioni e coproduzioni, molte prime assolute, europee e italiane e 200 artisti. Tra questi più della metà sono portavoce di un teatro fisico, o addirittura di danza come l’Odissi di Sharmila Biswas da Calcutta con il suo Mischief dance: A Journey Through Rhythm and Spirit (18-19 giugno): una forma narrativa – pur appartenendo all’Olimpo delle otto danze classiche indiane. Se siamo arrivati sin qui, a un’espressione concentrata su semantici gesti delle mani (le famose Mudra), sull’eloquenza dinamica di occhi e piedi in veloce azione nel tintinnio dei campanelli alle caviglie, – dovrebbe colpire di meno la presenza di registi spesso scambiati per coreografi. Sarà così in una città che tra polemiche e controversie tenta, senza riuscirci, di combattere la sua miopia per mantenere blande tradizioni? Il teatro è sgomento e fastidio: la Biennale senza svolta a destra In famiglia Non certo per caso Alter Native ha avuto inizio con qualche provocatoria malizia. Il nastro della festa è stato reciso da Mario Banushi, un greco albanese, designato all’encomio del Leone d’Argento (12 giugno) per la giovane età, 28 anni, soprattutto per aver confezionato a tutt’oggi solo quattro pièce, di cui tre fanno parte di una trilogia intitolata Romance familiare, disseminata e ripetuta in vari spazi veneziani a cominciare da Ragada (Smagliatura, in greco) a Ca’ Malcanton per proseguire con Goodby, Lindita (è il nome della matrigna di Banushi) e concludere con Taverna Miresia. Mario, Bella, Anastasia (l’insegna del ristorante famigliare, a Tirana, trasportata ad Atene). Banushi è un visionario riflessivo: «Ho vissuto la mia infanzia in Albania, poi i miei genitori hanno divorziato e ho seguito mio padre ad Atene, dove ho studiato teatro, ma anche danza». «Ho due madri, un padre morto, di cui porto il lutto, e molti parenti greci e albanesi». «Il mio primo lavoro è nato in casa di un mio amico con solo 20 posti a sedere; lo abbiamo pubblicizzato senza appoggi, solo con il passa parola, sino a che non è arrivato il direttore del Teatro Nazionale di Atene e mi ha concesso la produzione di Goodbye, Lindita, poi è arrivato il resto». Banushi non fa progetti preconfezionati per il futuro, ma ha certezze: «La parola è pesante», dice, «mentre l’azione fisica offre allo spettatore uno spettro più ampio di interpretazioni; non decido come voglio esprimermi, quel quid viene da sé; quando i sentimenti sono profondi e reali, non procedi con la ragione ma con il cuore». Sino a oggi il cuore di Mario ha battuto per le relazioni famigliari, «è un contesto appassionante e ricco, che non mi abbandonerà mai: tutti abbiamo una casa, genitori, ricordi felici e conflitti». Così Romance Familiare rispecchia il suo titolo, come Mami, visto in gennaio alla Triennale di Milano e lontano da quel narcisistico autobiografismo in danza e prosa, ormai slavato. Entro un’atmosfera solfurea, per lo più crepuscolare, si assiste in Mami, all’andirivieni di mamme giovani, vecchie, nonne partorienti e morenti; i figli maschi se ne prendono cura, sino a un matrimonio che amplia la ritualità delle premure tra giovani, ma anche sino a un’inaspettata deviazione. Un incontro di corpi nudi e gay, questi danzanti, offre un deragliamento silenzioso e caotico, una “smagliatura” in cui pare difficile tornare al ritmo anche musicale originario, visto che il caos si palesa in momenti impertinenti o funebri. La pièce è soffice, caritatevole e crudele. «Capace di una sorta di poesia che va oltre le parole», aggiunge il direttore Dafoe. «Ho sempre avuto una grande affinità e ammirazione per il lavoro così personale di Banushi, che si basa molto sul rituale, sulla fisicità, sulla luce, sul suono, sui corpi, sugli oggetti, con parole a goccia». Ohad Naharin, la magia di perdersi nel movimento: «Continuo a credere nel dialogo» Riti antichi Nella sua folta carrellata 2026 l’attore direttore Dafoe ha scelto anche un altro campione di riti non appartenenti alla nostra quotidianità ma antichi e dalla prossemica spesso difficile da decifrare. Alter (di Banushi) si allea a Native di Lemi Ponifasio. Proveniente dall’Isola di Samoa e dal 1995 alla testa di Mau, una comunità di artisti e intellettuali sostenitrice delle tradizioni samoane, Ponifasio è noto in Laguna dal 2003. Qualche anno dopo su invito di Ismael Ivo, allora direttore della Biennale Danza, presentò Tempest Without a Body, un lavoro incantatorio. Nell’ultimo degli episodi dedicati alla Tempesta riletta alla luce di tsunami globali e di Samoa, Shakespeare soffiava su una landa ignota, senza tempo né storia, anche se quest’ultima, poco alla volta, vi sarebbe precipitata dentro, efferata e sanguinaria, con le sue irreparabili distruzioni. Nel buio più nero della pece del Teatro alla Tese, chi ci esortava a osservare ciò che accadeva anche nell’invisibile era una rinsecchita vecchina/bambina, indigena di Samoa, ingobbita dal peso di due ali mozze e stropicciate. Immobile, sotto un grande pannello luccicante di carta stagnola, questa specie di Angelus Novus di Paul Klee (nella chiosa di Walter Benjamin: l’angelo della storia), lanciava un urlo straziante al termine di un misterioso monologo maschile accompagnato da una danza di sole braccia e mani, e di una prima entrée di monaci in tuniche nere. Da allora, immaginiamo che lo stile di Ponifasio sia mutato: invece no. «Il mio approccio artistico è rimasto costante: gli interpreti sono al servizio dello spazio e attivano la presenza scenica, piuttosto che cercare la rappresentazione», avvisa Ponifasio. «In Star Returning- Venice (20-21 giugno) il popolo Yi, della regione di Daliangshan, situata nella provincia del Sichuan, in Cina, condivide la nostra comune umanità attraverso la cultura e l’esperienza vissuta in momenti autentici e storie vere». Ormai Ponifasio e il suo gruppo Mau collaborano con diverse comunità isolate in tutto il mondo, inventando sempre nuove modalità per restituire le loro cosmovisioni uniche. «Star Returning: Venice, in realtà, è un adattamento dell’originale Star Returning neozelandese e si concentra sulle donne, celebrandone la presenza, la voce, la forza e il ruolo di custodi della cultura, della memoria e del lutto nel mondo violento in cui viviamo e in cui tecnologia, istituzioni e multinazionali tendono a trasformarci in dati numerici a cui il teatro commerciale da una bella spinta». Qualcosa di non familiare [Missing Caption][Missing Credit] «Invece vanno preservate la vitalità e la forza espressiva delle popolazioni fragili e lontane». A queste parole si ricollega il pensiero di Dafoe. «Gran parte del teatro occidentale s’incentra sulla letteratura, sulla psicologia e sul riconoscimento in storie in cui ci perdiamo e immedesimiamo; però ciò che è sconosciuto, stimola e confonde in modo positivo, risvegliando curiosità e meraviglia. Amo il momento in cui, guardando qualcosa, ci si chiede “cos’è questo?”. Penso alla prima volta che ho visto il teatro Nō in Giappone, e mi ha davvero aperto alla bellezza, all’essenzialità del teatro; perciò ho voluto allargare geograficamente il campo di ricerca nella selezione di quest’anno e presentare qualcosa di non familiare al pubblico della Biennale». Vedremo i risultati, ma forse Willem Dafoe, – l’attore che ha fatto teatro sperimentale nell’epoca di Einstein on the Beach di Robert Wilson, cui vuole rendere omaggio, – ci è riuscito. Paesi dove il silenzio è d’oro. Le danze di fronte al conflitto