Jean-Michel Jarre: «La musica non è solo note. L’intelligenza artificiale è immaginazione aumentata»

I concerti di Jean-Michel Jarre sono esperienze immersive. Il 18 luglio il compositore francese farà tappa in Italia per Jazz Open Modena. Jarre si prepara a festeggiare il cinquantesimo anniversario di Oxygène, il disco che ne ha rivelato il talento. A ottobre sarà pubblicato anche il suo nuovo libro Machines: A History of Electronic Music, un testo che ha già acceso la curiosità degli appassionati di musica elettronica. Raggiungiamo Jarre per un’intervista pochi giorni prima del concerto di Modena. Lui sembra carico di energia. La prossima settimana suonerà a Jazz Open Modena, come è nato lo show? Tutto è cominciato quando lo scorso anno il ceo della Ferrari è venuto a vedermi suonare. Mi ha detto, sarebbe fantastico se potessi ripetere questo show così innovativo e immersivo a Modena, per un nuovo festival che stiamo creando. L’idea mi ha subito affascinato, anche per questo legame indiretto con Ferrari, che per me è sempre stata qualcosa di più di una semplice casa produttrice. Ferrari è un’auto definitiva, fantastica nella tecnologia. A Modena condividerò con il pubblico uno show nuovo con un sistema audio immersivo, un design di luci e laser basati su un’architettura 3D, e l’Ia che elaborerà musica e visual in diretta. Lo show di Modena potrebbe essere speciale proprio per gli strumenti che userò sul palco. Lei è probabilmente uno dei pochi musicisti che non sono contrari ma, anzi, sperimenta molto con l’Ia. Non teme che l’intelligenza artificiale possa cambiare il processo artistico? L'intelligenza artificiale è neutrale. Anche il fuoco era pericoloso – ma a livello globale è stato un miglioramento per l'umanità. L’elettricità era pericolosa, e poi è stata positiva per molte persone. L’Ia può essere pericolosa, ma in realtà sono convinto che cambierà le regole del gioco per tutti noi, e soprattutto nel mondo creativo. Per me le lettere Ia significano “immaginazione aumentata”. Questo vuol dire che posso diventare non solo il creatore di quello che sto facendo ma anche il curatore. Per questo credo che non dovremmo fare confusione tra lo strumento e il suo uso – tutti gli strumenti sono neutrali, dipende da come li usi. Le persone malvagie esistevano prima dell’elettricità ed esisteranno dopo. L’Ia in sé non è sbagliata: sarà come con la rivoluzione industriale, creerà molti problemi che dovremo affrontare, perché al momento l’Ia è come il selvaggio west, dobbiamo solo stabilire delle regole. Quando la musica elettronica ha esorcizzato la misoginia Quindi il giovane Jarre avrebbe usato l’Ia per comporre Oxygène? O per comporre qualcos’altro. Come con un violino o un sintetizzatore, anche con l’Ia si possono fare un sacco di cose. Questo non significa che l’intelligenza artificiale non possa essere uno strumento per produrre i prossimi Miles Davis, Adriano Celentano, o Billie Eilish. Credo che l’Ia sia entusiasmante proprio come l’inizio della musica elettronica e dei sintetizzatori. Ricordo la prima volta che ho portato la musica elettronica al Teatro dell’Opera francese, alcuni membri dell’orchestra sinfonica hanno staccato l’impianto in segno di protesta, dicevano che la musica elettronica avrebbe ucciso le orchestre sinfoniche. E ovviamente non è successo. Cosa ricorda di quei giorni solitari in cui componeva Oxygène nel suo appartamento parigino? Ero ossessionato dall’idea di creare un collegamento tra la musica sperimentale, il pop, e le melodie. Questa era l’idea di partenza. Inoltre, ero meravigliato dal fatto che, grazie ai sintetizzatori, potevo diventare una specie di artigiano. Per secoli la musica è stata composta con strumenti predeterminati, come un violino, un clarinetto, una tromba, strumenti dove il legno, la materia o il suono erano definiti da chi li aveva costruiti. Improvvisamente potevo diventare io stesso il creatore dei suoni. Potevo essere il tecnico del suono, il mixer, creare musica da solo. A quei tempi la musica elettronica si attirava le stesse critiche che riceve oggi l’Ia. Nemmeno i sintetizzatori erano considerati strumenti, ma macchine – ancora oggi sono chiamate macchine. Non dimentichiamo che all’inizio l’organo, lo strumento più spirituale e religioso, era considerato uno strumento del demonio. Il silenzio rotto dalle donne con la musica elettronica Nel suo nuovo libro Machine: A History of Electronic Music ha scritto proprio di strumenti musicali. Il libro racconta gli strumenti anche attraverso la mia collezione. Il punto di partenza è Luigi Russolo, un compositore futurista italiano, autore de L’arte dei rumori (1913), che aveva previsto la musica del XXI secolo e l’algoritmo Ia. Nel libro esploro anche diversi sintetizzatori, strumenti digitali, computer – ho fatto questo percorso per raccontare la relazione tra la musica moderna nel XX e XXI secolo con la tecnologia e i diversi strumenti tecnologi che usiamo. La guerra, i suoni, l’elettronica: l’orecchio ultimo presidio dell’empatia Una volta ha detto che la musica elettronica è più europea che americana; ha meno a che fare con le tradizioni blues, rock o jazz. L’elettronica come linguaggio astratto più legato alla classica. Esplorerà questo aspetto nel libro? Si, assolutamente. Quella europea è una doppia eredità. L’eredità della musica classica, ma non in formato pop – che è l’approccio americano alla musica moderna del XX secolo. E l’eredità dei movimenti artistici del XX secolo, come l’Impressionismo, il Surrealismo, o il Futurismo russo di persone come Léon Theremin. Tutti questi movimenti artistici europei hanno definito la musica del XXI secolo. Quelli che hanno definito la grammatica della musica elettronica, o elettroacustica, sono persone come Pierre Henry o Pierre Schaeffer. Pierre Schaeffer è stato uno dei suoi padri spirituali. Come è stato influenzato dalla sua musica concreta? Schaeffer mi ha trasmesso due cose importanti. La prima è che la musica non dovrebbe essere considerata solo come nota, solfeggio – la musica è fatta di suoni, e ciò che fa la differenza tra rumore e musica è la mano del musicista e l’intenzione che c’è dietro. La seconda cosa è l’idea che tutti i suoni siano già lì – la musica è nascosta nel vortice di rumori e suoni dell’universo, e il lavoro del musicista è quello di estrarre gli elementi che diventeranno il suo stile e la sua musica. L’estate scorsa ha suonato nell’anfiteatro di Pompei. Non era la prima volta che suonava in un posto magico, ci sono state le piramidi d’Egitto, il deserto del Sahara. Cosa ha provato a Pompei? Pompei in sé è qualcosa di unico. Quando ero sul palco ho pensato ai ragazzi che hanno costruito l’Arena più di 2000 anni fa, e al loro approccio rivoluzionario. Voglio dire hanno inventato il Dolby Surround, e questo era il tipo di concerto immersivo che volevo ricreare con la realtà virtuale. Per me il modo migliore per rendere omaggio all’Arena era suonare rispettando la fragilità e il valore del luogo, celebrando l’innovazione del XXI secolo con i laser, i video – proprio come farebbero quei ragazzi se fossero ancora vivi oggi. E invece a Modena cosa dobbiamo aspettarci? L'inaspettato. Per me ogni sera deve essere diversa. Per via dei sistemi di intelligenza artificiale dal vivo, il palco è leggermente diverso ogni volta. Non sappiamo mai esattamente come accadrà, e questa cosa mi piace davvero. Perciò, è inaspettato. Dopo trent’anni di successi in Germania, Jazz Open, uno dei festival musicali più importanti d’Europa – nato a Stoccarda sotto la direzione artistica di Jürgen Schlensog – presenta la sua prima attesissima edizione italiana a Modena dal 13 al 18 luglio 2026. Si parte il 13 luglio con Gregory Porter e Diana Krall. Il 14 luglio arriva a Modena per la sua unica data italiana dopo anni di assenza dal nostro paese, Moby. Il 15 luglio salgono sul palco Parov Stelar e Meute. Il 16 luglio tocca a Jamie Cullum e a Joss Stone. Il 17 luglio si torna in Italia con Luca Carboni. Mentre il 18 luglio nel pieno delle celebrazioni per i 50 anni di Oxygène chiude il festival Jean-Michel Jarre.