Quant’è lontana l’Italia dalla Berlinale. E da un Orso d’oro sul totalitarismo

Quant’è lontana l’Italia da questo festival, dove qualcuno sventola sul red carpet una bandiera palestinese, dove Wim Wenders con voce rotta dalla commozione parla di empatia della settima arte e ripete che «la lingua del cinema non deve confliggere con la lingua, urgente, degli attivisti», dove un regista venuto dalla Striscia soffia nel microfono la parola «genocidio» dopo giorni e giorni di polemiche sul «silenzio» della Berlinale su Gaza? Quant’è lontana l’Italia da un festival in cui si è discusso per giorni e giorni di quanto le ferite del mondo debbano essere al centro dell’arte cinematografica, in cui un gigante come Jafar Panahi si rifiuta di vedersi consegnare un Orso d’argento conferito undici anni fa «in rispetto alle vittime del regime di Teheran»? Se qualcuno pensava che la politica non dovesse avere un posto alla Berlinale, ebbene l’Orso d’oro è una smentita bella potente: il primo premio del festival è andato ad un film che, per dirla con le parole del presidente della giuria Wim Wenders, parla la «lingua politica del totalitarismo» e rappresenta una «premonizione terrificante» che un giorno potrebbe riguardare «qualsiasi paese»: è Yellow Letters, del turco-tedesco Ilker Catak - in effetti uno dei favoriti - che narra di una coppia di artisti minacciati da uno Stato non meglio identificato, narrazione vivida di come l’autoritarismo di un paese possa entrare con facilità nelle vite di ciascuno di noi. I paradossi della Berlinale: Wenders tradito dalla politica. Tra strani blues, lavori forzati e furori su Gaza Il testa-coda di Wim Che dire: emblematica questa Berlinale 2026. “Accesa” dal testa-coda del presidente Wenders, che il primo giorno aveva preteso che il festival si tenesse alla larga dalla politica. Ieri subito prima della premiazione principale l’uomo che firmò il Cielo sopra Berlino, commosso, ha cercato di correggere il passo: in un «mondo fuori controllo», ha detto, «sarà il cinema a resistere all’oblio», ma soprattutto «l’urgenza dell’attivismo è anche la nostra». Idem la direttrice del festival Tricia Tuttle, pure lei presa ad aggiustare il buon nome della Berlinale: «Siamo stati sfidati pubblicamente», dice, «ed è un bene», dato che «la libera espressione è non una parola, ma è fatta di tante voci». Appunto. Il fatto è che molti premiati e alcuni giurati parlano di «ferite da raccontare», di «bambini libanesi e palestinesi uccisi», di «difendere i vulnerabili», di «grandi film politici» (come il documentario premiato come migliore opera prima, Chronicles from the Siege, il cui regista Abdallah Alkhaztib si presenta con kefiah e bandiera palestinese, che non esita a parlare di «genocidio» beccandosi diverse urla dalla platea), a dimostrazione evidente che il mondo non può essere tenuto fuori dalla porta del festival: anche questo, a suo modo, è un successo, anche e forse soprattutto quando finisce in cortocircuito. A proposito di festival in cortocircuito, il fatto è che nel corso dei giorni si sono moltiplicati a decine gli episodi del testa-coda innescato dall’uscita di Wenders: prendete l’espressione perduta di Channing Tatum, venuto qui per il film Josephine di Beth de Araùjo, totalmente spiazzato da una domanda sulla famosa lettera aperta di un centinaio tra registi e attori contro il «silenzio» del festival su Gaza. Un giornalista tedesco grida da lontano «oh no!», un altro grida «chiedetegli di Hamas!» e «quel che successo a Gaza non è mica caduto dal cielo», la moderatrice taglia corto e va avanti sulla prossima domanda, scatenando ovviamente un’ulteriore polemica tra giornalisti su quel che debba essere o meno la professione di un reporter ad un festival. «Festival della codardia», ha inveito qualcuno tra una proiezione e l’altra. Come si fa a pretendere che il cinema si tenga alla larga dalla politica, si chiedevano in tanti? Per dirne un’altra, il grande regista iraniano Jafar Panahi (il suo ultimo lavoro, Un semplice incidente, è stato nominato a due Oscar), in un incontro pubblico alla Berlinale, ha raccontato che il festival aveva l’intenzione di metter su una cerimonia per dargli l’Orso d’Oro d’onore conferitogli nel 2015 per Taxi senza che lui potesse venire per riceverlo. Ebbene, Panahi rivela di aver rifiutato l’offerta della Berlinale «per rispetto a tutti colori che sono stati uccisi nella violenta repressione del regime di Teheran». Il cineasta vuole, in pratica, che venga mantenuta l’attenzione sul «crimine indicibile» che è stato compiuto in Iran, con una conta dei morti che sta nell’ordine delle decine di migliaia. Come volevasi dimostrare, alla fine il dibattito su “la politica” ha avuto il sopravvento sui film. Così, mentre qua e là sono comparsi striscioni con la scritta «Fuck off Wenders, cinema is politics», in pochi qui intorno al Marlene-Dietrich-Platz, dove pulsa il cuore della Berlinale, hanno voluto coltivare il classico toto-orso: molti tifavano Queen at the Sea di Lance Hammer con Juliette Binoche – che in effetti alla fine si è trovato tra le mani due Orsi d’argento, uno per la regia e uno per i migliori attori non protagonisti, Tom Corteney e Anna Calder Marshall - storia di una donna ammalata di Alzheimer e del dramma familiare che questa porta con sé, mentre in pochi avevano citato il film che alla fine si è aggiudicato il Gran premio della giuria, ossia Kurtulus del turco-curdo Emin Alper. Assai distanti tra loro invece i giudizi su Rosebush Pruning, di Karim Ainouz, dove Callum Turner ed Elle Fanning fanno il verso ai Pugni in tasca di Marco Bellocchio in modo del tutto inverosimile, mentre andava forte il tedesco Rose di Markus Schleinzer (che però ha giocato in casa, per così dire): il suo pezzo forte ovviamente è Sandra Hueller, già strepitosa due anni fa nei panni della moglie del comandante di Auschwitz in Zona d’interesse di Jonathan Glazer, che non sorprendentemente si è presa l’Orso d’argento per la migliore interpretazione. Marty Supreme vs Sentimental Value: il cinema diventa speed watching Una predicatrice Posto che però in generale il concorso non sembra aver scaldato più di tanto il cuore dei critici accorsi in riva alla Sprea, in diversi avevano riposto grandi speranze in The Testament of Ann Lee di Mona Fastvold (peraltro già passato a Venezia e in uscita sugli schermi italiani il 12 marzo): oggetto in effetti ben strano questa specie di dramma storico in versione semi-musical sulla predicatrice che a fine Settecento porta la setta religiosa restauratrice e millenarista degli Shakers da Manchester al Nuovo Mondo, nella speranza che lì la rivelazione del verbo di Dio trovi terreno più fertile che in un’Inghilterra considerata oramai perduta. Ora, Amanda Seyfried (chi non ricorda la sua inaspettata e notevole versione al dulcimer di California di Joni Mitchel nello show di Jimmy Fallon?), è in effetti formidabile nei panni della predicatrice tormentata dal peccato carnale (con qualche ragione, considerando il marito che si ritrova): e per quanto sia evidente che la pratica dello shakerism (lo scuotimento, ossia l’agitarsi, ballare, gridare, cantare e muoversi convulsamente) sia una sublimazione neanche tanto sublimata dell’atto sessuale, The Testament of Ann Lee non si capisce bene dove vada a parare: prevale il ritratto di una donna che passa sofferenze indicibili, la sua trasformazione in “Mother Ann”, ossia in una specie di profetessa dunque inaccettabile in sé dal maschilismo dell’epoca, oppure la metafora orgiastica di corpi e balli sostenuti da una colonna sonora che non ha fino in fondo il coraggio di essere da musical? Appunto: quanto radicale è la figura storica di Ann Lee (ad un certo punto rischia di morire in un linciaggio al grido di «morte alla strega»), tanto incompiuto risulta il film. A suo modo sontuoso, ma incerto se sposare fino in fondo l’eversione religiosa della predicatrice, se cavalcare la lettura psicanalitica del personaggio o se abbracciare il connubio irrazionale tra corpo e fuoco mistico. «Cosa succederà se Netflix compra Warner? Cancellare l’uscita al cinema significa togliere l’anima ai film» Dov’è il Bel Paese L’ultimo grande mistero della Berlinale 2026 – che, comunquessia, rimane uno dei maggiori festival cinematografici del pianeta – è il “caso Italia”: praticamente ignorata dal festival, l’ha a sua volta ignorato. Compresi i tormentoni “politica sì, politica no” con annessi polemiche su Gaza e dibattiti sulla libertà d’espressione, dibattiti che in ogni caso hanno dimostrato che – come nel Sessantotto, ma anche, solo per limitarsi agli ultimi festival, come nel 2023 e nel 2024, l’anno di No Other Land – dove c’è cinema si parla del mondo, dove si parla di mondo per forza c’è anche la politica, checché ne dicesse (salvo pentimento dell’ultimo giorno) il signor Wenders. E questo non può non riguardare anche l’Italia. Ieri dicevamo di sovranismi mancati, oggi di provincialismo: sarà che siamo finiti ai margini per il nostro sistema produttivo asfittico, sarà che siamo vittime di snobismo, sarà per la comoda quasi-concomitanza del festival di Sanremo, in ogni caso oggi il nostro paese oggi è sembrato piccolissimo visto da Potsdamer Platz, lontanissimo dalla piazza intitolata a Marlene Dietrich. Il papa: «Il cinema va sostenuto, la sua sopravvivenza è in pericolo»