Frammenti e grida: è il tempo di “Broken”

FIRENZE – Per gli studiosi del mondo antico la parola “frammento” evoca uno dei canali fondamentali attraverso cui si cerca di dare senso al passato. Versi di Saffo. Citazioni di filosofi presocratici. Brandelli di documenti di papiro da cui emergono momenti della quotidianità di persone vissute due millenni fa. Tasselli, utili a ricostruire un mosaico più ampio. La mostra Broken – Il potere del frammento mette invece al centro il tassello in sé: il pezzo di opere che sono frammentate, danneggiate, distrutte – ma mai del tutto – dal tempo, dall’azione dell’uomo, dai disastri naturali. Lo fa con un allestimento a Palazzo Strozzi che attraversa quasi cinque millenni e cinque continenti: una serie di sale in cui si passa dai volti di statue romane all’arte del Vietnam antico ai monumenti in bronzo del Settecento francese. Fino ad arrivare alla contemporaneità. Un percorso “sfidante”, come è stato detto in conferenza stampa, ricordando anche i risultati dell’ultimo anno delle mostre su Beato Angelico e su Rothko (che, quasi a sorpresa degli organizzatori, ha attratto ancora più visitatori di quella dedicata al frate Angelico, oltre 300mila). E un percorso che pone il visitatore di fronte a una domanda dalla lunga storia: cosa ci emoziona di un’opera incompleta? La luce di Rothko torna a casa, incontri impossibili a Firenze Schegge di empatia Un’altra delle parole – oltre a presenza, assenza, persistenza – che è risuonata più volte nella conferenza stampa di presentazione della mostra è “empatia”. Forse un termine inaspettato, ma che diventa chiaro nella prima sezione della mostra, dedicata proprio al “potere” del frammento: una galleria di volti, provenienti da epoche e contesti culturali diversissimi, guarda negli occhi il visitatore. E, come sottolineato anche dai curatori C. D. Dickerson e Andrew Sears, il fatto che siano incompleti, separati dal resto della scultura, permette di concentrarsi sui dettagli. Le onde dei capelli scolpite nella basanite di un giovane romano: tutto il volto è sfregiato, tranne gli occhi. Quella che sembra una lacrima che solca il volto di una dea ed è un segno causato dal consumarsi delle sue ciglia in bronzo. La chioma rossa di una testa di amazzone, la sua policromia conservata dall’eruzione di Pompei. La natura di frammenti di questi volti non permette solo di apprezzarne di più i dettagli. È evocativa, di moltissime cose diverse. Può suscitare quell’emozione che conoscevano anche gli antichi, descritta come ricorda l’introduzione del catalogo (edito da Marsilio) già da Plinio il Vecchio di fronte alle rovine del Colosso di Rodi: in questo caso un’emozione non derivata dalla loro monumentalità, forse più dalla sensazione di stare di fronte a qualcosa che è sfuggito dagli accidenti del tempo e della storia. Suscita, come spiega un dettagliato saggio di David Freeberg sempre contenuto nel catalogo, uno stimolo neurologico specifico che ci suscita la visione di qualcosa di incompleto: l’impulso naturale a immaginare quello che non c’è. E poi, c’è la sensazione di stare di fronte a qualcosa che rispecchia il nostro tempo e i suoi tormenti, come ha sottolineato nella sua presentazione Kaywin Feldman, la direttrice della National Gallery of Art di Washington D.C., l’istituzione con cui la Fondazione Palazzo Strozzi ha organizzato la mostra e che la ospiterà la prossima primavera. Nei volti sfregiati che fissano il visitatore da dietro il vetro di una teca, qualcuno può pensare di vedere riflessa la violenza delle immagini che ogni giorno ci raggiungono, dai teatri di guerra e devastazione sparsi per il globo. L’artista che fa propaganda al paradiso. La luminosa pittura di Beato Angelico Come nascono La seconda sezione della mostra esplora il modo in cui le opere diventano frammenti. Si parte con una dettagliata disamina dell’iconoclastia, religiosa e politica: le statue azteche distrutte dai conquistadores spagnoli cattolici – o meglio, come ha sottolineato il curatore Sears, dagli indigeni costretti a fare il lavoro pesante di distruggere sculture monumentali –, i monumenti equestri dei sovrani francesi smantellati dopo la Rivoluzione, in particolare la mano di Luigi XV donata a Jean Henri Latude, celebre detenuto della Bastiglia, il busto di Benito Mussolini di Adolfo Wildt preso d’assalto dopo la Liberazione alla Casa del Fascio di Milano. Una sala è dedicata agli effetti delle guerre e del colonialismo. Un’altra a quelli della natura: catturano lo sguardo una scultura funebre di legno proveniente dal Vietnam e la statua di marmo del Ragazzo accovacciato, trovata tra i reperti di un relitto naufragato, per secoli conservata per metà sotto la sabbia e consumata per l’altra metà dall’acqua del mare. E c’è anche il Cristo Portacroce, che porta i segni dell’alluvione di Firenze di sessant’anni fa. L’arte di fronte al trauma: è “Aftershock” di Ai Weiwei Schegge di modernità Il percorso poi prosegue esplorando quei frammenti che sono stati prodotti intenzionalmente: come simboli di qualcosa, come pezzi per restaurare sculture antiche, come opere che evocano il potere delle rovine, come nel caso di una scultura azteca. Le opere più antiche iniziano poi a entrare in dialogo con quelle contemporanee, come The Swan di Francesco Vezzoli, che combina frammenti di epoche diverse per creare un busto genderfluid, con petto di donna e testa di uomo. Ci sono le installazioni dell’artista vietnamita Danh Vo, che riflettono sulla costruzione dell’identità, sul colonialismo e il traffico di arte. Un frammento “iconico” come quella della mano tradizionalmente attribuita al colosso di Costantino e proveniente dai musei Capitolini sta insieme a L’Homme qui marche di Auguste Rodin, in un’altra sala lo scultore tedesco Julius von Bismarck con The Elephant in the Room (Otto von Bismarck) lascia sul punto di scomporsi del tutto un monumento equestre del primo cancelliere tedesco: una riflessione anche sull’arte come simbolo e sulla volontà ancora oggi di smantellarla quando rimanda a un passato problematico. L’accostamento con queste opere contemporanee rende plastica la “modernità” che gli occhi dello spettatore contemporaneo istintivamente riconoscono nei frammenti antichi, come ha detto anche il direttore generale della Fondazione Palazzo Strozzi, Arturo Galansino. È un’istinto della modernità quello di scomporre – e talvolta ricomporre – i pezzi. Ma, forse, più che questa vicinanza estetica, a generare l’empatia da cui vuole partire la mostra, nel mettere faccia a faccia frammenti e spettatori, è la sensazione di essere di fronte a qualcosa che non ha bisogno di essere contemporaneo né tanto meno di rimanere fuori dal tempo per restare. Incontrare davvero l’arte nella natura, l’esperienza dell’Oasy Contemporary art