Gli Editors: «In questo disco abbiamo cercato qualcosa di più reale e più umano»

Per gli Editors, a un certo punto, tornare nella stessa stanza è diventato quasi un gesto controcorrente. Negli ultimi anni si erano progressivamente allontanati dal suonare tutti insieme, fino a EBM, il disco che li aveva portati più lontano dall’idea di essere cinque musicisti in una sala prove. Con Surface, Echo & Sound, il loro ottavo album, in uscita il 30 ottobre, hanno scelto invece di rimettersi l’uno davanti all’altro e ascoltare che cosa succede. Parlando con Tom Smith ed Elliott Williams, quel ritorno alla presenza fisica finisce però per raccontare anche altro. Dopo vent’anni significa capire come abitare la propria storia senza trasformarla in nostalgia, mentre fuori social, notizie e algoritmi sembrano spingerci sempre più verso la distanza. La risposta che affiora è semplice: mettere giù il telefono e parlare con qualcuno. Ed è anche ciò che gli Editors hanno deciso di ricominciare a fare. Dopo diversi album costruiti soprattutto in studio, che cosa avevate perso non suonando più insieme nella stessa stanza? Perso è una parola forte. È vero, negli ultimi tre dischi ci siamo allontanati dall’idea tradizionale di una band, andando molto di più verso l’elettronica, ma è anche ciò che ci piace di quei lavori. Con EBM, però, abbiamo avuto la sensazione di essere arrivati alla fine di quella strada. Volevamo ritrovare un rapporto più diretto con gli strumenti. In particolare, Russell Leetch, al basso, ed Ed Lay, alla batteria, avevano passato tre album a programmare e forse avevano perso un po’ quella connessione fisica con gli strumenti, perciò questa volta stare tutti insieme ci è sembrata l’unica cosa giusta da fare. La storia eternal dei Joy Division, un dipinto incompiuto come la Madonna di Manchester Rispetto a EBM, Surface, Echo & Sound lascia anche molto più spazio tra gli strumenti È stata una scelta consapevole. Nella nostra storia ci sono sempre piaciute le cose grandi e drammatiche, ma stavolta eravamo cinque persone nello stesso posto e dovevamo ascoltare ciò che ciascuno stava facendo, capire se serviva davvero alla canzone. Forse c’entrano l’età e una maggiore sicurezza, chi lo sa, sicuramente oggi ci sta bene essere più piccoli e meno perfetti. Quando tutto è elettronico e programmato alcuni automatismi possono diventare meccanici, mentre per quest’ultimo lavoro abbiamo cercato qualcosa di più reale e umano. Alcune delle ultime canzoni che abbiamo registrato sono fragili, molto esposte e non crediamo fossimo mai arrivati a toccare questo punto di profondità. Da vent’anni dark è probabilmente la parola più associata agli Editors. Nell’ultimo album un pezzo come Seriously, però, fa convivere la pesantezza con immagini quasi ironiche Capiamo da dove viene quella definizione. C’è un tono che ci appartiene e da sempre ci interessa esplorare sensazioni che hanno un lato oscuro. Diventa limitante soltanto quando qualcuno pensa che siamo soltanto quello. In questi vent’anni, quando le persone mi hanno parlato delle canzoni a cui erano più legate, quasi sempre hanno citato parole d’amore o una più precisa forma di “calma in mezzo al buio”. In Seriously non parlerei esattamente di umorismo: le immagini possono far sorridere, ma la canzone racconta di persone che sentono addosso il peso della vita. Fatto sta che in questo disco volevamo essere più immediati, senza avere paura della melodia o persino del pop. C’è stato però un momento in cui avete pensato che la storia degli Editors potesse finire anche a causa di una possibile svolta pop. Sì, il momento più difficile è arrivato dopo In This Light and on This Evening, nel 2009. Come formazione a quattro non riuscivamo più a fare musica insieme. Abbiamo provato per quasi un anno a realizzare il disco successivo, ma non funzionava. Poi Chris Urbanowicz è uscito e sono arrivati Elliott e Justin Lockey. All’inizio non sapevamo che cosa sarebbe successo ed è stato un periodo traumatico, ma oggi Elliott e Justin sono nella band da più tempo di quanto ci sia stato Chris. Quello che sembrava una crisi è diventato il secondo grande capitolo della nostra carriera. Anche il Covid ci ha fatto riflettere se continuare o meno: per chi vive di musica e di tour, vedersi togliere tutto è stato straniante. Il vero protagonista del caso Sheeran? È l’oligopolio In Real dite che «le vecchie canzoni ci tengono vivi». Ma come si usa la propria storia senza restarne intrappolati? Suonandola. Quando prepariamo un tour torniamo anche alle vecchie canzoni, le cambiamo e proviamo a farle appartenere a ciò che siamo adesso. Se non riusciamo più a trovare un modo perché un brano abbia senso nel presente, può anche uscire dalla scaletta. Da spettatori sappiamo che quando vai a vedere una band che ami vuoi ascoltare le tue canzoni preferite, ma crediamo che la propria storia debba restare viva, senza diventare qualcosa di cui innamorarsi al punto da smettere di andare avanti. In Happiness chiedete se ci accorgiamo ancora delle notizie mentre siamo «egoisticamente impegnati nella nostra felicità». Credete che un artista oggi senta più pressione nel prendere posizione pubblicamente? Il modo in cui il mondo ci viene presentato ci bombarda continuamente ed è sempre più difficile ignorarlo. C’è molta rabbia e sembra esserci sempre meno spazio per il rapporto con l’altro. È comprensibile che le persone reagiscano, perché succedono cose terribili e hanno il diritto di essere arrabbiate. Noi siamo sulla quarantina, non siamo artisti cresciuti su TikTok e a volte ci sentiamo lontani da quel modo di vivere la presenza pubblica, ma cerchiamo comunque di mantenere una certa complessità, anche se oggi è difficile farlo. E quando siete su un palco, dove mettete il confine? Crediamo sia importante che un artista abbia il diritto di parlare e di dire ciò che sente di dover dire. L’idea che questa possibilità possa essergli tolta è spaventosa e pericolosa. A Glastonbury ci sono state forti pressioni perché i Kneecap venissero rimossi dal cartellone, ma il festival li ha mantenuti. Glastonbury ha sempre avuto una dimensione politica e la libertà di parola ne fa parte. Nessuno vuole messaggi d’odio, ma se qualcuno esprime ciò in cui crede e alla base c’è un messaggio di umanità, non penso che la risposta possa essere impedirgli di salire su un palco. Il senso di rivelazione dell’Ypsigrock, c’è vita oltre l’algoritmo Nel 2018 dicevate che non serviva vedere un paesaggio da Mad Max fuori dalla finestra per sentire l’apocalisse. Nell’album torna quel rumore del mondo, ma c’è un rifugio e sembra riposto in un’altra persona. È cambiato il mondo o il vostro modo di affrontarlo? Purtroppo il mondo non è migliorato. Se dieci anni fa sembrava già vicino al limite, oggi la situazione ci sembra ancora più estrema. Il modo in cui consumiamo le notizie e i media può produrre angoscia e ansia; gli algoritmi finiscono per rendere le persone più aggressive. A un certo punto l’unica cosa da fare è mettere giù il telefono e parlare con qualcuno. Quando sei davvero davanti a un’altra persona, molte cose scompaiono e torna una connessione umana. Anche stare in una band significa essere in una stanza con persone che conosci molto bene, che ami e ammiri. In questo mondo moderno conta moltissimo, perciò dovremmo riconoscere di più ciò che ci unisce, invece di partire sempre dalle differenze. Le nuove canzoni negoziano il tempo. Streaming e algoritmi cambiano la scrittura della musica